«There’s only two types of people in the world
The ones that entertain, and the ones that observe»

Б. Спирс

Совсем недавно в Японии завершилась уже 7-ая реинкарнация Иокогамской Триеннале, впервые курировать такой масштабный проект был приглашен индийский коллектив из Дели, Raqs Media Collective, чей послужной список пополнился еще одной строчкой к тому внушительному ряду выставочных проектов, что у них уже успел скопиться. Площадками для проведения стало уже привычное Иокогамское триединство мест: Музей искусств Иокогамы, музей NYK Maritime и PLOT48. Сам выставочный колосс один из основных для Японии, наравне с Триеннале в Айти (будет в 2022), Этиго-Цумари (будет в 2021), Сэтоути (будет в 2022).

Тема этого года «Afterglow», вечное сияние, дарующее жизнь во всех своих проявлениях: построение связей, сосуществование с враждебными элементами, самопознание и переопределение мира, радость от встречи с незнакомым и воспроизведение чудес. Raqs Media Collective задает повествовательный темп, где вы, как зритель, должны продираться сквозь заросли музея, природное и цивилизационное смешиваются, оставляя на вас ответственность за то, как вы будете определять искусство, подготовленное для вас в залах музея.

К этой же теме кураторы, сгруппировавшись, решили подключить и вирусный эпос, все–таки сюда он, как и большинство любых других тем, напрашивается. Япония институциональная довольно бойко сумела справиться с нашествием вируса, переконвертировав многие свои выставочные проекты в формат виртуальных выставок. Некоторые пошли по пути «Google Arts & Culture», а другие еще усерднее отрабатывали формат, как это было с выставкой «Future and the Arts», проводившейся в Mori Art Museum. Сотрудников вооружали не только бесполезными температурными наганами и санитайзерами всех градусов, но и более технологично подошли к делу, сканеры, как турели, бойко отстреливали нестойкий иммунитет. В остальном…все как у всех.

Масштабами японские организаторы всегда любят брать, поэтому даже виртуальный забег предполагает ощутимый кусочек вашего временного пирога, в этом ощущение от типичных биеннале/триеннале одинаковое. В какой-то момент можно утомиться от нажатия на стрелочки, поиска экспликационных точек на экране, но зрителя ничто не удерживает, можно уйти и даже вернуться, после закрытия триеннале проект продолжает существовать онлайн. Несколько иначе реагирует пространственное восприятие, здесь вы не только всматриваетесь в работы (кроме видео и VR-проекта), но и смотрите на окружение. Можно зайти в лифт на 2-ом этаже PLOT48 и подняться на 3-ий, предварительно нажав соответствующую кнопку, поэтому какой-то баланс виртуально/реального за вами сохраняется. Японские музеи оказались довольно привередливы в своих цифровых изысканиях, на некоторых площадках можно даже зайти в туалет, мелочь, но она тоже дополняет вашу скромную цифровую картинку. При этом практически вся выставка — это одиночный поход, лишь в паре мест вас встретят заблюренные лица сотрудников музея, дело привычное, а компанию для просмотра выставки всегда найти можно.

Перед небольшим заходом на список работ и художников, хочется еще покружить в мысленном воздухе и честно признаться, что ничего откровенного эта триеннале не привнесла, даже у себя на локальном уровне. Получилось в должной мере традиционно, с лирикой про «все выстоят, сформируем свое будущее». Мы до сих пор продолжаем иметь дело с нагромождением текстов, которые на пресс-конференциях еще и вербализируется на долгие и долгие минуты, что словесные отбивки действительно заставляют тебя идти на свет. Проблема для всех сейчас общая, хотя и очень импонирует посыл про то, что непонятное должно быть интересным. Перенасыщение смыслами не идет на пользу, получается уж очень сытно.

Триеннале радует обилием кинетического, очень много всего что движется, само по себе или при участии зрителя. Мой персональный фаворит — Zhang Xu Zhan, режиссер анимации, с работой «Animal Story-AT5». Ему на удивление повезло в своем экспозиционном одиночестве, отдельное пространство в антураже кухонной плитки, проблематика движения в видео и статике предмета — похвально, не часто встретишь анимацию на международных проектах, выполненную с таким усердием.

Joyce Ho из Тайваня с работой «Balancing Act II», уж не знаю по какой причине, но в условиях нынешней раскачивающейся политической нестабильности, ее работа, на мой скромный взгляд, уж очень бы полюбилась в наших славянских странах. «Самый сильный боится сильнее всего» — сообщает экспликационный кружочек красного цвета.

Ivana Franke предоставили возможность действовать по крупному, «Resonance of the Unforeseen», про изоляцию места ото всего, теперь зрителю, находящемуся на пороге здания музея, остается, согласно посылу автора, догадываться о том, что там скрыто и в каких отношениях состоит этот объект с окружением, ну и связи-связи-связи. Другой покоритель масштабов — Nick Cave (другой Ник Кейв) с «Kinetic Spinner Forest» — начальный и завершающий этап экспозиции центральной площадки Иокогамской Триеннале, все блестит и крутится, вызывая в памяти новогодние флешбеки с гирляндами.

При разговоре о связях не обойтись без узлов, а их на этой выставке намотали достаточно, некоторые в буквальном смысле, некоторые в словесном: Kim Yunchul c «Chroma», визуально-визитной карточкой этой триеннале, Aluaiy Pulidan с буквальными узлами, «Wrap», дающими жизнь и связывающими женское и глобальное. Дополняет компанию Arai Takashi, представленный в отдельном зале, с работами под общим названием «Multiple Monuments for 100 Women No. 1-10», здесь и про женское, про символические узлы, про войну и японское наболевшее.

Наше все и вся, вечно молодая художница — Таус Махачева устроилась в одном из ротондальных помещений музея, подготовив для японских зрителей и перформеров «Quantitative Infinity of the Objective», программно и кровь гоняет. Антон Видокле с «Citizens of the Cosmos» все также продолжает глобальное наступление космизма, хотя и на более второстепенной площадке в PLOT48, здесь все по классике.

Еще парочка очевидных хитов из Иокогамы: Eva Fabregas c работой «Tangles», где мир бесчисленных связей между бактериями и их пребывании в нашем внутреннем мире выражается в кишках, получается очень буквально, но очень привлекательно для масс. На противоположной стороне центральной части здания за художницей поспевает Robert Andrew с «A Connective Reveal-Nagula», скрытое слово австралийских аборигенов постоянно покрывается смесью охры, земли, а затем снова и снова пытается эту смесь с себя смыть, чтобы раскрыть таинственное слово, которое и перевода то не имеет.

Другой безусловный аттракцион для народных масс — работа Zuza Golinska «Run-up», любовь к красным дорожкам из недалекого прошлого прочитывается здесь, как обращение к разному типу поверхностей и сред, незамысловатый и разноуровневый маршрут. Такой опасный, но горячо любимый у нас родине «The Giant Hogweed» (борщевик) от Ingela Ihrman повествует о нашем настоящем символе, настолько привычным и токсичным, что мы воспринимаем его как часть национального наследия.

Farming Architects с «The Space Coalition» — про цикличность: дерево дает воздух, вода циркулирует, рыбы испражняются, бактерии дают удобрения, цветы растут и очищают воду. Работа весьма декоративна, сойдет, и полностью отвечает экоповестке. Elias Sime в «Ants & Ceramicists, Forthcomning 7» образовывает новые связи, перерабатывая компьютерные схемы и останки клавиатур в наборные холсты. Rebecca Gallo & Connie Anthes (Make or Break) вручают зрителю соленой раствор и предлагают поработать над главными транспортными связями — мостами, этим можно заняться прямо в зале.

У Aono Fumiaki в проекте с неприлично длинным названием «Mending, Substitution, Consolidation, Incursion, Serial Arrangement, «Restoration of a Scrapped Vessel Salvaged from Ishinomaki after the Great East Japan Earthquake and Tsunami-2»» смешивается переработка материалов и тема памяти, древесина после цунами обретает вторую жизнь, оставляя за собой шлейф тревожных воспоминаний. Rosa Barba с «Bending to Earth» демонстрирует серию ландшафтов, переживших токсичные свалки и прочие горести почвы, они поменяли свой прежний окрас, но сохранили свою визуальную привлекательность.

Zheng Bo с «Pteridophilia 1-4» через квирпризму предлагает изучить отношения природного и эротического, люди вступают в интим с папоротниками, пчелы и шмели штурмуют орхидеи, благолепие плодородия во всей красе.

Nilbar Gures с «Girl’s Parallel Bar from the series “Unknown Bar»» предлагает всем записаться в спортивный зал, но следовать не физическим упражнениям, а созданиям новых моделей отношений среди женщин, доводя привычное до абсурдного. Marianne Fahmy, единственная участница, представленная в NYK Maritime, с проектом «Atlas Series” обращается к теме корабельных путешествий и картографии, пытаясь разобраться в том, как строилась космография 16 века. Еще два небольших открытия: Sato Risa, чьи субстанции вписались в локацию PLOT48 и Chen Zhe с «Windows of Paradox», где воссозданное окно таит за собой неведомое.

Формат крупных выставок на глобальные темы уже какой год демонстрирует свою усталость, общие темы рассыпаются на фрагменты, поэтому приходится выхватывать лишь отдельных авторов. 「わからない」を楽しもう — получить удовольствие от непонимания, высвободив себя от нужды в поглощении смыслов…не получается, мы продолжаем быть заложниками институциональной системы, как ими и продолжают быть художники. Гипотетически идея правильная, даже те самые джунгли, про которые говорили кураторы, не должны быть опасным местом с ядовитыми пауками и пираньями, мы все равно представляем этот мир открытий с позиции детей, прыгучие лианы и веселые обезьянки в комплекте. Виртуальный формат в свою очередь сохраняет выставку, дает возможность наглядного примера, что в идеале может избавить нас от повторов и бесконечного копирования, это гораздо удобнее чем jpg-ные картинки и упитанные каталоги. Самое главное наблюдение триеннале — под конец всех цифровых походов по площадкам хотелось остановить на момент курсор и застыть в лучах цифрового солнышка в белоснежной архитектуре PLOT48, не в этом ли весь возможный «Afterglow»?

Телеграм-канал Gendai Eye

Перешагнуть тысячи километров и оказаться на Йокогамской Триеннале: